Die 15 wichtigsten Theaterfunktionen

Die wichtigsten Merkmale des Theaters hängen eng mit den Elementen zusammen, die jedem Werk oder jeder Aufführung gemeinsam sind. Der Begriff Theater hat seinen Ursprung im griechischen Wort Theatron, was "Ort zum Schauen" bedeutet.

Theater bezog sich daher ursprünglich sowohl auf einen Ort als auch auf eine bestimmte Form der Wahrnehmung. Heutzutage kann sich das Konzept des Theaters auf ein Gebäude, eine Aktivität ("Theater gehen" oder "Theater machen"), eine Institution und eine Kunstform beziehen.

Das Theater ist der Zweig der szenischen Kunst, der sich auf die Aufführung und Darstellung von Geschichten vor einem Live-Publikum bezieht. Dabei werden Reden, Gesten, Szenen, Musik, Geräusche und Spektakel kombiniert, um den Betrachter zu stimulieren und zu begeistern.

Der Geist spielt auch im Theater eine wichtige Rolle, da dieser künstlerische Ausdruck entsprechend der Wahrnehmung und Vorstellung des Zuschauers entschlüsselt wird.

Alle Stücke haben gemeinsame Elemente, die diese Kunst auszeichnen. Anschließend können Sie die herausragendsten Funktionen detaillierter anzeigen.

15 charakteristische Elemente des Theaters

1- Plot

Es ist das, was in der Arbeit passiert. Es bezieht sich auf die Aktion. Die Organisation von Ereignissen oder die Auswahl und Reihenfolge von Szenen in einem Stück. Nach Aristoteles ist es ein abstrakter Begriff, der sich auf die Disposition der Ereignisse bezieht, die den Rohstoff und die Bestandteile der Geschichte ausmachen.

Die Handlung ist die Art und Weise, wie diese Vorfälle in einem zusammenhängenden Ganzen strukturiert sind. Wenn die ursprüngliche Reihenfolge geändert wird, wird ein neuer Frame generiert. Im Theater dominieren zwei Arten von Handlungen. Als nächstes seine wichtigsten Merkmale und Unterscheidungsmerkmale:

Auflösungsbildschirm

• Die Handlung beginnt spät in der Geschichte, näher am Ende oder am Höhepunkt.
• Es deckt einen kurzen Zeitraum ab.
• Es enthält einige solide und erweiterte Szenen.
• Tritt in einem eingeschränkten Ort, einem Raum oder einem Haus auf.
• Die Anzahl der Zeichen ist stark begrenzt.
• Es gibt nur wenige sekundäre Frames.
• Die Aktionslinie verläuft in einer Kette von Ursache und Wirkung. Die Charaktere und Ereignisse sind in einer Abfolge von logischen Entwicklungen eng miteinander verbunden, die fast unvermeidlich sind.

Enthüllungshandlung

• Die Handlung beginnt relativ früh in der Geschichte und durchläuft eine Reihe von Akten.
• Es deckt lange Zeiträume ab.
• Viele kurze und fragmentierte Szenen oder der Wechsel zwischen kurzen und langen Szenen.
• Es kann eine ganze Stadt oder sogar mehrere Länder abdecken.
• Fülle von Charakteren.
• Häufig gekennzeichnet durch mehrere Handlungsstränge, mehrere Parallelgeschichten.
• Die Szenen sind miteinander verbunden. Ein Ereignis kann mehrere oder keine offensichtliche Ursache haben, tritt jedoch in einem Netzwerk von Umständen auf.

2- Thema

Während sich die Handlung auf die Handlung der Arbeit bezieht, bezieht sich das Thema auf die Bedeutung der Arbeit. Manchmal ist es klar im Titel angegeben.

Ein anderes Mal kann es durch einen Dialog von einem Charakter deklariert werden, der als Stimme des Dramatikers fungiert. Manchmal ist das Thema weniger offensichtlich und taucht erst auf, nachdem der Inhalt der Arbeit analysiert wurde.

3- Charaktere

Sie sind die Menschen, Tiere oder Ideen, die von den Akteuren in der Arbeit vertreten werden. In struktureller Hinsicht sind die Charaktere die Handlungsakteure, die die Motivation für Ereignisse in der Handlung liefern.

Jeder Charakter muss eine eigene Persönlichkeit, ein eigenes Alter, ein eigenes Aussehen, eigene Überzeugungen, einen eigenen sozioökonomischen Hintergrund und eine eigene Sprache haben. Entsprechend ihrer Funktionen in der Arbeit können einige Arten von Zeichen umrissen werden:

• Protagonist : Die Hauptfigur.
• Antagonist : Der Hauptgegner des Protagonisten.
• Gegenstücke : Decken Sie einige Aspekte der Hauptfigur auf, indem Sie ähnliche oder unterschiedliche Umstände oder Verhaltensweisen haben.

4- Skript oder Text

Dies ist der Ausgangspunkt der Theateraufführung. Es ist der Text, mit dem das Stück erstellt wird. Es besteht aus Dialogen, Regieanweisungen, Beschreibungen von Charakteren und ähnlichem in einem Stück. Es bezieht sich auf die vom Dramatiker geschriebenen und von den Figuren interpretierten Wörter.

5- Geschlecht

Markante Klasse der Arbeit. Das Geschlecht stammt aus dem Französischen und bedeutet "Kategorie" oder "Typ". Die Wahl des Genres spiegelt die Sicht des Autors auf das Thema wider.

Im Theater sind in der Regel folgende Arten von Werken vertreten: Tragödie, Komödie, Melodram und Tragikomödie. Jedes dieser Genres kann nach Stil und Inhalt weiter unterteilt werden in:

Tragödie

Es ist eine Nachahmung einer Handlung, die ernst, komplex und relevant ist. Die Tragödie ist von Natur aus ernst und befasst sich mit tiefen Problemen. Diese tiefgreifenden Probleme sind universell und wecken beim Publikum Mitgefühl und Angst, indem sie die Handlung miterleben.

Komödie

Es hat die Vision, das Publikum zum Lachen zu bringen, es ist normalerweise körperlich und energisch. Das Verhalten der vorgestellten Charaktere ist lächerlich und manchmal absurd. Es stimuliert im Publikum eine Korrektur des Verhaltens der Gesellschaft.

Melodrama

Es ist das Drama der Katastrophe, Umstände, die außerhalb der Kontrolle des Protagonisten liegen, verursachen die wesentlichen Ereignisse der Handlung. Die Aspekte der Schuld und Verantwortung des Protagonisten werden beseitigt.

Der Protagonist ist ein Opfer der Umstände. Melodrama hat einen Sinn für strenges moralisches Urteilsvermögen. Alle vorgestellten Themen werden klar definiert gelöst. Gute Charaktere werden belohnt und schlechte bestraft.

Tragikomödie

Es ist ein Spiegelbild des Lebens selbst, es enthält alle früheren Genres. Sie beabsichtigt nicht, zu urteilen oder absolute Urteile zu fällen. Es konzentriert sich auf Charakterbeziehungen und zeigt die Gesellschaft in einem Zustand des kontinuierlichen Flusses.

6- Kostüme und Make-up

Sie sind Elemente, die dazu dienen, die Akteure bei der Neuerstellung einer Figur zu charakterisieren.

Kleiderschrank

Es bezieht sich auf die Kleidung und Accessoires, die ein Schauspieler oder Performer auf der Bühne verwendet. Die alten Griechen waren die Pioniere bei der Entwicklung spezifischer Kostüme für jede Figur. Diese Kunst diente dazu, das Mittelalter wiederzubeleben und große Markgrafen des Hofes darzustellen.

Make-up

Es ist die Verwendung von Kosmetika bei der Veränderung des physischen Erscheinungsbildes eines Schauspielers, damit sich sein Erscheinungsbild an eine bestimmte Rolle anpasst oder die Auswirkungen der szenischen Beleuchtung ausgleicht.

Die Kunst des Schminkens wurde durch die Einführung der elektrischen und gasbetriebenen Beleuchtung revolutioniert und ist mittlerweile zu einer hochtechnischen Praxis geworden.

7- Licht- und Soundeffekte

Die Platzierung, Intensität und Farbe der Lichter sowie die Soundeffekte helfen dem Regisseur, die Atmosphäre, die Stimmung oder das Gefühl in einer Szene zu kommunizieren.

Die Beleuchtung wurde als ein wichtiges Merkmal der Theaterproduktion erkannt, als in der Renaissance erstmals Innenaufführungen mit Kerzen und brennbaren Flüssigkeiten aufgeführt wurden.

Zu den entscheidenden Innovationen in der Beleuchtungstechnik gehörten die Einführung von Stehlampen, die Verwendung von Reflektoren zur Erhöhung der Intensität der Lichtstrahlen und die Verdunkelung der Lichter im Auditorium im Jahr 1876.

Die Entwicklung der Gasbeleuchtung zu Beginn des 19. Jahrhunderts war trotz der damit verbundenen Gefahren ein wichtiger Fortschritt. Der Einsatz elektrischer Beleuchtung begann 1879 am California Theatre in San Francisco.

Gegenwärtig werden Beleuchtungssysteme in modernen Theatern durch hochentwickelte computergesteuerte Tafeln gesteuert, die die Beleuchtung eines gesamten Systems koordinieren können. Weitere aktuelle Innovationen waren Experimente mit ultraviolettem Licht, Lasern und Holographie.

Die Klangeffekte sind die Geräusche, die erzeugt werden, um eine Szene in einem Stück zu begleiten, die von Computern oder von Schauspielern innerhalb und außerhalb der Bühne erzeugt werden können.

8- Direktor

Es ist die Person, die für die totale Einheit der Produktion verantwortlich ist und die Bemühungen der Künstler koordiniert. Die Arbeit des Regisseurs spielt bei der Produktion eines Stücks eine zentrale Rolle, da der Regisseur die Vision der Produktion für alle Beteiligten festlegt.

Der Regisseur hat die herausfordernde Aufgabe, viele komplexe Teile einer Produktion zusammenzustellen: das Drehbuch, die Schauspieler, die Kostüme, die Beleuchtung, den Ton und die Musik in einem Ganzen. Um diese Aufgabe auszuführen, benötigt ein Direktor:

• Interpretieren Sie das Skript.
• Arbeiten Sie mit den Designern zusammen.
• Planen Sie die Versuche.
• Führen Sie die Schauspieler in ihrer Arbeit während der Proben.

Die Arbeit des Regisseurs basiert häufig auf einer detaillierten Untersuchung und Analyse des Drehbuchs, das Gegenstand der Montage ist. Viele sorgfältige Drehbuchlesungen helfen dem Regisseur, eine individuelle Sicht auf die Absichten des Dramatikers zu entwickeln. Ihre Wahrnehmung beeinflusst jeden Aspekt der Produktion.

Die Regisseure studieren auch die Charaktere im Drehbuch und sammeln so viele Informationen wie möglich über ihre physischen und psychischen Merkmale, was für die Auswahl des Castings von entscheidender Bedeutung ist.

9- Publikum

Gruppe von Menschen, die die Arbeit sehen. Viele Dramatiker und Schauspieler sind der Meinung, dass das Publikum das wichtigste Element des Theaters ist, da alle Anstrengungen, die zum Schreiben und Produzieren eines Stücks unternommen werden, dem Vergnügen des Publikums dienen.

Da die Interpreten im Theater in direkter Anwesenheit des Publikums einen kreisförmigen Energiefluss erzeugen, wirkt der Schauspieler auf das Publikum und umgekehrt. Dieser Effekt wird durch die Tatsache verstärkt, dass das Theater eine Gemeinschaftsveranstaltung ist.

Die Gruppenerfahrung ist unabdingbar, da die Gruppe die vom Einzelnen erlebten Emotionen verstärkt und ein kollektives Gewissen schafft. Wenn eine Gruppe von Personen ähnlich reagiert wie auf der Bühne, wird ihre Beziehung zu anderen Personen bekräftigt und gestärkt.

Der Grad der Trennung zwischen der Besetzung und dem Publikum unterscheidet das konventionelle Theater vom partizipativen Theater.

Zum einen nutzt die Öffentlichkeit ihre Vorstellungskraft, um sich an der Arbeit zu beteiligen und sich von der Handlung zu trennen. Im zweiten interagieren die Schauspieler mit dem Publikum und versuchen, einem etablierten und improvisierten Drehbuch zu folgen, wobei der Schwerpunkt auf persönlicher Entwicklung oder kollektiver Therapie liegt.

Im Theater wird ein Publikum gebeten, viele Arten von imaginären Welten zu akzeptieren. Eine Möglichkeit, diese imaginären Bereiche zu unterscheiden, besteht darin, sie in ein so genanntes realistisches und unrealistisches Theater zu unterteilen.

Der Realismus, der Ende des 19. Jahrhunderts die vorherrschende Form des europäischen Theaters wurde, versucht, das Leben so genau nachzubilden, dass das Publikum davon ausgeht, dass es Leben sein muss. Der Nicht-Realismus hingegen versucht, die beobachtete Realität zu transzendieren und den Teil des Lebens darzustellen, der im Geist existiert.

Es ist jedoch ein Fehler anzunehmen, dass sich diese beiden Ansätze gegenseitig ausschließen. Die meisten Theateraufführungen enthalten eine Mischung aus realistischen und unrealistischen Elementen.

10- Szenografie

Es dient dazu, die Umgebung, in der das Grundstück entwickelt wird, wiederherzustellen. Das Set verfolgt die folgenden Ziele:

• Legen Sie den Ton und den Stil der Produktion fest.
• Stellen Sie Zeit und Ort ein.
• Unterscheide Realismus von Nicht-Realismus.
• Koordinieren Sie die Landschaft mit anderen Elementen.
• Beschäftigen Sie sich mit den Einschränkungen des Bühnenraums und des Bereichs außerhalb der Bühne.

All diese Ziele werden in mehreren Besprechungen zwischen dem Regisseur, dem Bühnenbildner und dem Designteam angesprochen. Später spiegeln sich die Ideen in Skizzen wider, die es nach Überarbeitungen, Analysen und Modifikationen ermöglichen, die Szenografie zu entwerfen, die sich am besten an die Geschichte und Vision der Kreativen anpasst.

Sobald diese Phase abgeschlossen ist, werden die Entwürfe an einen technischen Direktor übergeben, der die erforderlichen Konstruktionen, Anpassungen und Installationen im Szenario für die Materialisierung des geplanten Projekts vornimmt.

11- Szenario

Es sind Theatergeräte wie Vorhänge, Böden, Hintergründe oder Bühnen, die in einer dramatischen Inszenierung zum Einsatz kommen.

12- Gerät

Es gibt verschiedene Kategorien von Requisiten. Viele der Requisiten stammen aus dem Drehbuch und sind Elemente, die der Regisseur benötigt. Der Szenograf fordert normalerweise auch Ensemble-Requisiten an, z. B. die Möbel, die in der Szene zu sehen sind. Manchmal gibt es eine dünne Trennlinie zwischen dieser Art von Requisiten und der Szenografie.

Die Requisite ist ein beliebiger mobiler Gegenstand, der während einer Aufführung erscheint, mit Ausnahme der Kostüme und der Bühne. Es sind Artikel, die von einem oder mehreren Akteuren manipuliert wurden. Unter anderem ein Buch, eine Pistole, ein Glas Wein.

13- Apostelgeschichte

Sie stellen eine wichtige Spaltung in der Entwicklung der Theaterarbeit dar. Die meisten Stücke aus der elisabethanischen Zeit bis zum 19. Jahrhundert wurden von Dramatikern oder späteren Herausgebern in fünf Akte unterteilt.

Ende des 19. Jahrhunderts begannen viele Schriftsteller, Werke mit vier Akten zu schreiben. Heutzutage sind ein, zwei und drei Akte die häufigsten Spiele.

14- Theater (Gebäude)

Es ist der Raum, in dem Schauspieler oder Publikum zusammenkommen. Es ist wichtig, einen Bereich zu haben, in dem der Künstler oder Performer mit einem lebenden Publikum kommuniziert.

Die Theatergebäude haben sich von den Freiluftamphitheatern der Griechen und Römer zu der unglaublichen Vielfalt der Formen entwickelt, die wir heute sehen. Es ist ein Raum, der den emotionalen Austausch zwischen der Besetzung und dem Publikum unterstützt.

15- Konvention

Eine Theaterkonvention ist ein praktisches Instrument, das der Dramatiker oder Regisseur verwendet, um die Geschichte des Theaterstücks zu erzählen. Die üblichste Theaterkonvention ist die, dass die Charaktere miteinander sprechen und so tun, als würden sie das Publikum nicht bemerken.

Oft als vierte Wand oder vierte Leinwandkonvention bezeichnet, wird das Vorhandensein einer (unsichtbaren) Trennung zwischen den Schauspielern und dem Publikum simuliert.

Ursprünge und historische Entwicklung des Theaters

Wann das Theater begann, ist genau ein Rätsel. Die prähistorischen Jäger stellten Geschichten über ihre Jagdexpeditionen vor. Die alten Ägypter führten heilige Lieder auf und tanzten bei religiösen Zeremonien für ihre Götter. Die Idee des Theaters als dramatische Unterhaltung kam jedoch später.

Es ist bekannt, dass die englischen Wörter für Tragödie und Komödie aus der Sprache der alten Griechen stammen. Obwohl die Griechen nicht die ersten waren, die Theaterstücke aufführten, waren sie sehr an den Ursprüngen der Tragödie und der Komödie interessiert.

In seinen Schriften schlugen der Philosoph Aristoteles und andere griechische Schriftsteller Theorien vor und stellten Hypothesen auf, wie sich die Form der Theaterkunst entwickelte.

Die griechischen Werke wurden im Freilichttheater aufgeführt. Anfangs befanden sich die Theater in offenen Bereichen im Zentrum der Stadt oder in der Nähe von Hängen. Das Publikum war bereit zuzuhören und zu sehen, wie der Chor über die Abenteuer eines Gottes oder eines Helden sang.

Gegen Ende des 6. Jahrhunderts u. C. wurden die Theaterstrukturen ausgefeilter. Als das Theater zwischen den Städten immer beliebter und wettbewerbsfähiger wurde, vergrößerten sich die Theater mit Strukturen, die jeweils Platz für bis zu 15.000 Personen bieten.

Das Theater existiert, seit sich die Leute zum ersten Mal getroffen haben, um zu hören, wie jemand anderes eine Geschichte erzählt. Freunde und Familie teilten die Verantwortung des Publikums und des Dolmetschers und tauschten die Rollen, solange jemand eine Geschichte zu erzählen hatte.

Das moderne Theater kann formeller sein, mit Schauspielern, die eine Geschichte nachbilden können, und anspruchsvollen Zuschauern, die auf eine Inszenierung reagieren. Die Idee, die Energien zwischen der Besetzung und einem Live-Publikum zu teilen, bleibt jedoch unveränderlich.